Morte rievocata – De Groene Amsterdammer

storie, O se ti piace: le strutture narrative o le voci che incontriamo nei teatri di questo mondo hanno il potere e il potenziale per rimodellare la nostra realtà. Quindi, con le nuove storie che gli artisti “creano”, abbiamo anche la possibilità di rompere con il nostro ideale attuale ‘dilemma’. Molto dice nella filosofa della scienza Donna Haraway rimani con il problema, Un libro che interesserà chiunque abbia a che fare con le storie. Dà alle storie molto potere e ha senso ottenere informazioni su ciò che ha potere su di te.

Pensare in questo modo, dire che basta raccontare storie vecchie, perché sono “vecchie come il mondo”, o “mostrare ancora una volta come non farlo”, è ingiustificabile. Soprattutto se dai un’occhiata alle crisi globali e le metti in relazione con quelle vecchie storie esatte. E che tu sia seduto su calendule rosse o su una sedia a dondolo pieghevole nel 2022: non puoi sfuggire ai problemi globali. Sappiamo già che chi siede sulla sedia pieghevole sarà colpito più duramente dai problemi ambientali, sociali ed economici che ancora incombono sulle nostre teste.

Idee raccolte qui sulle prestazioni dannato Dall’International Theatre Amsterdam che si può vedere quest’estate all’Amsterdam Postheater, colorato dal pensiero di cui sopra. Il team artistico dell’Amsterdam City Theatre ha scelto di raccontare il film italiano nel 2016 La caduta degli dei di Luchino Visconti del 1969, presentato in anteprima con Comédie-Française al Festival de Avignon come le dannazioni† Per la versione olandese sei anni dopo, con attori e sceneggiatura olandesi, questa performance è stata rinominata dannato†

dannato Racconta la storia della famiglia tedesca von Esenbeck, ricchi produttori di acciaio che si trovano in una morsa soffocante sul nascente sistema del Terzo Reich per porre il commercio e portare la loro eredità al di sopra della morale. La storia funziona con archetipi, c’è il patriarca, la cattiva madre, l’erede disobbediente, la moglie amorevole, il bambino innocente, e c’è un linguaggio parlato che evita la privacy. Quello che si dice in un linguaggio astratto di bellezza e ritmo, che deve trasmettere costantemente molte, molte informazioni sulle interrelazioni e gli sviluppi della trama. Questo rende evidente il collegamento con la telenovela. Come ha detto lo stesso regista Ivo van Hove, è un po’ incazzato nel podcast che accompagna la performance con questa associazione suggerita: “Questa sarebbe una soap opera di altissimo livello”.

2. Comnien estiasp iduntio. Et officiandus rerionecturi il mincto doles vellab iduntem

All’associazione contribuisce anche il fatto che non sia certo intento a simpatizzare con ciò che influenza i personaggi. Quindi spetta a van Hoof e allo scenografo Jan Versweveld fare qualcosa di diverso dalla trama vera e propria, si occupano delle macchinazioni del male che, non trascurando il suo suggerimento, prospera dove i soldi sono sparpagliati alla base. Vogliono mostrarci questa trama, questo desiderio si concretizza con la macchina mostrata.

La coreografia della vita e della morte è immersa nella scenografia, all’estrema sinistra si aspetta di poter passare, all’estrema destra la bara è pronta. Durante la performance è stato accuratamente registrato come questa morte lasci delle lacune nelle interrelazioni, perché ogni volta il fischio del vapore della fabbrica, collocato in prima fila, regala a tutti un fascino, come in un ritratto di famiglia sempre più vizioso e solitario.

Anche il costume gioca un ruolo centrale. Prima di tutto, vediamo il passaggio dall’attore al personaggio che viene raccontato, dal “reale” allo spettacolo. Durante lo spettacolo, puoi vedere quanta attenzione ottengono tutti i personaggi con i loro costumi infinitamente eleganti. Nessuna scena in cui nessun vestito viene indossato o acceso o spento, puoi parlare del feticismo del costume.

Non c’è scena in cui un capo di abbigliamento non venga pugnalato, aperto o spento

Questa affinità si adatta perfettamente all’estetica della performance, che segue da vicino le performance naziste. Susan Sontag ha scritto ampiamente su questa estetica in un articolo su Recensione di libri di New York Dal 1974 circa Lenny Riefenstahl, strega fascista† Van Hove e Versweyveld devono aver divorato e assorbito questo articolo fino all’osso, e la maggior parte delle note di Sontag sono identificabili nella scenografia e nella regia.

Sontag scrive di questa estetica, tra le altre cose, che “sorge da (e giustifica) l’eccessivo interesse per situazioni di forza, comportamento sottomesso, sforzo eccessivo e dolore perpetuo; sostiene due stati di esistenza apparentemente opposti, l’ossessione egoistica e la schiavitù. (…) Focus Gioco fascista sullo scambio rituale delle forze potenti e dei loro burattini delle loro mani, vestiti in uniforme ed esibiti in quantità gonfie.La coreografia alterna movimento continuo, modo fermo, statico, e mascolinità delle pose.Arte fascista glorifica la resa, esalta l’assenza di mente e glorifica la morte.

Direttore Ivo van Hoof Con i suoi adattamenti teatrali dei film, lavora sempre con la sceneggiatura del film, non guardando indietro consapevolmente, ma ordina la sceneggiatura e la adatta al suo palcoscenico. Ne parla nel documentario due gambe (Diretto da Susan Rice, 2021). Jan Versweyveld e lui stesso sono stati seguiti durante la realizzazione della loro esibizione età della rabbia, Presentazione “Mostra i meccanismi del ciclo della violenza, la sua inevitabilità e la sua disperazione”. Nel documentario Van Hoof parla della propria poetica e del fatto che nel suo lavoro teatrale fa incontrare regolarmente performance art e teatro. Definisce la performance art come ciò che è reale, una vera pistola, un vero proiettile, un vero corpo e definisce il teatro come tutto ciò che non è reale, che è stato rappresentato.

Non riesco a capire perché avrebbe voluto che questi due si incontrassero, anche se potrei sentirlo in qualche modo. Cosa dice questa scelta sulla sua immagine dell’uomo, sulla sua percezione del palcoscenico o su come questa forma ibrida serva a un’idea di base più ampia sul contenuto della storia? anche dannato Sembra un’arte performativa con immagini e attori potenti a cui è data la minor “teatralità” possibile. Come se Van Hove e Versweyveld volessero evitare tutto il divertimento, così quando accade qualcosa di umano, viene immediatamente percepito come profondamente umano, come per contrasto.

La forza tecnica della produzione è impressionante qua e là, così come la gamma artistica, la portata e il bellissimo ambiente. La gloria di Mardu è, o dovrei dire, che rappresenta, incomparabilmente, la travagliata prole più giovane della famiglia Industry, e Os Gredanus Jr. sembra capire meglio di chiunque altro ciò che van Hoof e Versoefeld gli chiedono. La sua faccia è stranamente vuota, che puoi guardare a lungo da vicino mentre il suo personaggio Wolf von Achenbach filosofeggia lentamente e direttamente come il male volgare nella telecamera. E quando Marieki Hibbinck nei panni di Sophie von Esenbeck vaga nervosamente attraverso i boschi oscuri e sinistri, alla disperata ricerca di suo figlio, il lungo periodo volge al termine. La telecamera la insegue. Durante questa ricerca nella foresta, c’è anche divertimento gioco di parole Quando la telecamera ingrandisce un poster, la stessa performance che stiamo vedendo. Lo scopo è probabilmente tenerci presenti e renderci consapevoli del nostro ruolo di testimonianza imposto in questa riproduzione del male.

Il filmato di Tal Yarden gioca un ruolo importante nella produzione, lì altri tempiCome le immagini fotorealistiche della Germania nazista sul grande schermo, i bellissimi primi piani dei volti, ed è incredibile come i fotografi sul palco siano completamente integrati nelle scene. Quando le riprese video del discorso di Hitler vengono tagliate con immagini vivide di un bambino innocente che gioca con un tenero cavallo fantoccio, tutto cade sull’orlo dell’assurdo. Potresti anche pensare che le riprese ravvicinate di persone che soffrono in una bara sembrerebbero da incubo, ma i personaggi che sono appena morti sul palco nella loro bara rievocano perfettamente il dolore di morire davanti alla telecamera nella loro bara, volendo e come ripetere movimenti contemporaneamente. Forse è anche qui che si trova l’ibrido tra performance art e teatro: rievocazioni di morte.

Ci sono momenti Dalla bellezza, la cenere leggera che soffia nel cielo notturno scuro sopra gli alberi della foresta, la gloria di Mardo come arte danzante, Hans Kesting con tutte le sue forze che riesce ancora a estrarre bellezza da questo testo. Ma tornando in bicicletta, dopo l’isterica esplosione dell’immagine finale, mentre gli altri visitatori continuavano intorno a noi, mi è tornata in mente questa linea poetica di William Carlos Williams: “È difficile / ricevere notizie dalle poesie / Eppure gli uomini muoiono miseramente ogni giorno / Per mancanza / Cosa c’è là fuori”. In questo caso, “poesie” può essere sostituito da “teatro”. Non è esagerato chiedere al teatro di desiderare più di una frase che non vada oltre “molto eh” o più ironicamente: “La storia è una ripetizione di movimenti, quindi siamo dannati per sempre”. Il riferimento obbligatorio nei testi di propaganda alla guerra in Ucraina è ipotetico. Dove, Amsterdam International Theatre, posso trovare una prospettiva sulle questioni del nostro tempo? Ne ho bisogno, mi rivolgo a te.